Exposition d’art moderne : 5ème étage au musée D’Orsay Paris

Pour ce quatrième article d’art moderne consacré à la rubrique « Exposition », nous allons vous amener dans le centre de Paris, le long de la rive gauche de la seine, dans une ancienne gare, le musée d’Orsay situé au 62 rue de Lille, 75007 Paris.
Monument Chargé d’histoire, devenu un patrimoine historique francais, nous allons nous rendre au 5ème étage pour l’exposition Néo—impressionnisme qui est la plus importante collection de peinture au monde avec près de 1100 toiles ou nous allons vous faire découvrir quelques chefs d’œuvres de l’art moderne de ce mouvement pictural qui fait partie du mouvement d’art moderne le plus populaire de l’histoire de la peinture.

 Néo impressionnisme :

Le néo impressionnisme reprend les codes de l’impressionnisme (en lui succédant), par le goût du paysage et des sujets de la vie moderne. Les peintres ne mélangent plus les couleurs sur la palette car ils trouvent que l’intensité de la lumiere est moins éclatante et préfère la touche de petit point de couleur pures qui crée en effet optique et rend la toile plus lumineuse. Le chef de file de ce mouvement était Paul Saurat. Les peintres voulaient fonder la peinture sur des lois scientifiques « l’époque à la fois à la science », en reprenant dès 1880, des théories sur les couleurs du chimiste Eugène Chevreul, du physicien Ogden Rood et des écrits de Charles Blanc.

-Voici un tableau de Georges Seurat « le Cirque » peint en F2580932-D06A-4FE3-B5A0-09AA55FC592D1891, inspirée du cirque Fernando. Le peintre voulait explorer la nature de la couleur et de la lumière scientifiquement et l’appliquer à son art. Il développa le style de « pointillisme », construisant une peinture à partir de points incalculables de couleur organisé dans un ensemble harmonieux. Cette technique est de placer un point de couleur étroitement espacé qui se développe par la suite par un bouquet plus complet de teintes de couleurs lorsqu’il est vu par les yeux (effet optique). Il utilise une palette de couleur limitée qui sont le rouge, le marron, le jaune, le blanc et le bleu avec des formes géométriser comme les acrobates, arabesques et des lignes, qui dynamise la peinture et contribue à une harmonie stylistique générale en créant une sensation d’irréalité.FC0E6F70-EF01-4ADC-875E-884E1C6BEE6F

Enfin, comme deuxième œuvre qui utilise la technique du pointillisme, celle de Henri-Edmond Cross « les iles d’or » ce paysage représente la côte d’azur auquel on peut entrevoir les iles d’Hyères, qu’on les appelé les iles d’or d’où le nom qu’a choisi d’appeler le peintre. La toile est représentée en 3 bandes de couleurs sable, mer et ciel qui fusionnement pour créer un magnifique dégradé.

Durant cette exposition vous découvrirez de nombreuses toiles du Néo-impressionnisme mais aussi des œuvres de Manet, Monet du mouvement pictural, l’impressionnisme.

Et vous ,qu’en avez-vous pensé de cette exposition d’art moderne ?

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Exposition d’art moderne : Musée Marmottan Monet

Pour ce troisième article d’art moderne consacré à la rubrique « Exposition », nous allons vous amener dans le musée des beaux-arts du 16ème arrondissement de paris situé à deux pas du Bois de Boulogne, de l’Hippodrome d’Auteuil et d’un ancien hôtel particulier : Le Musée Marmottan Monet au 2 rue Louis Boilly, 75016 Paris.

Dans cet article nous allons vous faire visiter l’intégralité du Musée Marmottan en commençant par l’exposition « l’Orient des peintures, du rêve à la lumière ».

Nous entrons dans un univers chaud et mystérieux par une entrée de couleur rouge.

– « L’Orient des peintures » :

Elle commence par la conquête des peintres européens qui fantasment sur l’orient et le voyage aux premières heures de l’art moderne durant l’époque napoléonienne. L’exposition se consacre sur deux axes qui sont la figure et le 321E8E3E-2961-4E01-B253-A120F27242B4paysage.

On retrouve l’œuvre de Paul Klee, « décor intérieur » à l’aquarelle, gouache et craie qui utilise des formes géométriques avec des mélanges de lumières et de couleurs pures comme le bleu (photo ci-contre) inspirées de la Tunisie, des édifices architecturaux de Kairouan, des arches et de ses dômes.

L’orient a été une inspiration pour les artistes en quête de leur « Idéal de beauté ». La femme orientale synonyme iiiide Vénus Antique de couleurs, de parures et de sensualité moderne comme le montre ces deux artistes :

Charles Zacharie Landelle « La juive de Tanger », huile sur toile (1866), portrait d’une beauté douce orientale (photo ci-contre).

Jean-Léon Gérôme « Odalisque », huile sur toile, il fait découvrir les courbes du corps qui sont comparables à celles des arabesques décoratives. Le corps est représenté devant une fontaine couverte de mosaïque, inspirée du palais Topkapi. (Photo ci-contre)

– « Vers la géométrie des paysages » :CF30EFE1-5A3B-4063-ACE8-6CB5C153AE53

L’apparition de la palette permet aux artistes de se déplacer et de voyager plus facilement ce qui leur permet de peintre des motifs en format plus petit et de peindre en plein air. L’artiste Marquet part à la découverte de l’Algérie, il joue avec le couleur, les formes et les dimensions. Dans son œuvre « La mosquée de Laghouat » il écrit à Matisse en lui disant « je ne serais jamais orientaliste », alors qu’il part pour Tanger, Marquet rencontre sa femme en peignant son endroit préféré la mosquée de Laghouat comme on peut le voir (photo ci-contre) cette toile se distingue par des couleurs claires avec du blanc, rose et bleu et par une transparence de l’air, créée à partir de l’aquarelle.

L’émancipation des moyens picturaux (motifs) ouvre une parenthèse lumineuse de l’art moderne grâce à l’art impressionnisme.

A la fin de cette exposition « l’Orient des peintures, du rêve à la lumière », on retrouve deux œuvres du célèbre peintre Vassily Kandinsky « Oriental » et « le Bain turc ».

Après avoir fini la première visite sur l’orient, nous continuons sur la seconde exposition de Claude Monet.7A44F910-59CB-40AB-A2EF-F2E42C757F78

Durant cette exposition d’art moderne, nous avons eu la chance de découvrir une des plus célèbres toiles du peintre Claude Monet, il s’agit tout d’abord de l’œuvre « Impression, soleil levant ». Cette toile peinte en 1872 fait débuter un nouveau mouvement pictural d’art moderne, celui de l’impressionnisme. Dans cette œuvre, Claude Monet veut capter la lumière de l’atmosphère, de fumée à travers du brouillard et faire ressortir la lumière du soleil du ciel et des reflets sur l’eau. La préoccupation des impressionnistes était de capter la lumière sur les toiles « sans lumières, pas de couleurs ! ». Durant cette exposition, nous pouvons découvrir de nombreuses œuvres de l’artiste comme les séries des « nymphéas ». (Photo ci-contre)

Après cette deuxième exposition, nous allons à l’étage pour découvrir la collection des épées du musée017C6217-5340-4909-BAB0-634824425809. La collection d’épées représente le lien qui unit l’Académie des beaux-arts au musée Marmottan Monet depuis la légation en 1932 de Paul Marmottan de son hôtel particulier à l’Académie. Ces épées ne sont pas des armes mais un attribut symbolique devenu aujourd’hui un objet d’art et que portent les destinataires comme emblèmes. Il est individuel et crée par un artiste ou un orfèvre ou à partir d’une arme ancienne.

Voici un exemple d’une épée qui appartenait à Jacques Taddei qui était directeur du musée Marmottan Monet entre 2007 à 2012. Son épée a été créée par le joaillier Lorenz Bäumer en or, bronze, citrine, cristal, bois et argent. Elle symbolise l’amour de sa femme (le cœur en citrine), « seul l’amour peut arrêter le temps ».

On retrouve une épée de Pierre Dehaye, écrivain et haut fonctionnaire élu membre de l’Académie des EF6883F8-37B2-447F-8122-F7B4057EBCA1beauxarts en 1975. Son épée a été dessinée par Georges Mathieu en acier, or, argent et bronze. Elle rappelle le signe astrologique du gémeau qui est représenté par la coloration de la fusée. Les quillions symbole de la monnaie de paris car Pierre dehaye en était le directeur à l’époque.

Après l’exposition des épées des académiciens, nous arrivons à la dernière exposition qui se trouve tout en haut du musée.

On retrouve le peintre Berthe Morisot, connue pour être modèle dans les tableaux de Manet qui ensuite épouse son frère Eugène Manet, elle est saluée étant « la meilleure aquarelliste de son temps ». On peut retrouver dans ses œuvres une liberté et une harmonie légère de couleurs, par des jeux de transparence, caractéristiques de l’aquarelle avec des effets de translucidité, devenue une signature. D606BB9D-4CB9-4811-ACD2-C9E5A6D1620B

Voici la visite complète du musée Marmottan Monet, nous espérons que nous vous avons fait voyager et que nous vous avons donné l’envie d’aller visiter ce musée et ses expositions.

Et vous qu’en avez-vous pensé ?

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Exposition art moderne : NEGIN ROUHBAKHSH – Artiste peintre au « 59 Rivoli »

Oeuvre abstraite au 59 rivoli

Pour ce deuxième article consacré à la rubrique « Exposition », nous allons vous amenez au cœur de Paris, dans un lieu mythique, au « 59 RIVOLI », comme son nom l’indique au 59 rue de Rivoli, 75001 Paris.

Pourquoi s’y rendre ?

Lieu incontournable (entrée gratuite) reconnaissable par une façade colorée et attrayante dans un décor rocambolesque, unique au monde. A l’intérieur du bâtiment, une entrée d’escalier décoré par les artistes depuis de nombreuses années, ce lieu de 6 étages dédié à l’art, accueil plus de 30 créateurs en résidence ou chaque atelier offre une immersion totale dans l’univers propre à chaque artiste. Le 59 est un pôle artistique unique en Europe autour duquel art, innovation et créativités attire les passant dans ce lieu. Chargé de 20 ans d’histoire, « le 59 Rivoli est avant tout un rassemblement, un vecteur d’acheminement ancré dans le paysage touristique parisien ». Au plein cœur de la capitale, le 59 se révèle être un archipel d’originalité, un lieu pluridisciplinaire ou les artistes viennent de différent horizon pour exprimer librement leurs art.

Parmi ces nombreux artistes installés à l’intérieure de cet immeuble, nous allons vous faire découvrir une artiste qui nous a touché par son travail.

 

Negin Rouhbakhsh, artiste peintre indépendante

Situé au 5 ème étages du bâtiment, nous avons décider de s’arrêter sur cette artiste hors du commun.

Negin Rouhbakhsh a commencé à étudier l’art, à l’université scientifique de la culture et de l’art en 2010 spécialisé en graphisme et design. C’est en 2017 qu’elle décide de s’installer au 59 Rivoli pour pratiquer librement les arts de la peinture.

Ses inspirations viennent de son père, artiste peintre Monsieur Jafar ROUHBAKHSH EINI, qu’elle admire et s’inspire en ranimant une partie de sa vie artistique pour qu’il reste éternellement avec elle à travers son art. « Cette motivation a non seulement un aspect artistique et professionnel mais aussi un aspect émotionnel pour honorer sa mémoire et que ses œuvres perdurent ».

Les œuvres de Negin Rouhbakhsh sont très particulières, à premiers vue on peut penser à des circuits de puces électronique tout en couleur on l’on peut apprécier le détail de chaque œuvre, rempli d’un univers de couleurs sur fond coloré, noir ou blanc avec parfois, déposé de feuille d’or qui permet grâce à la lumière et aux reflets, d’illuminer l’œuvre et d’attirer les regardent.

 

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En une seule phrase : nous avons été étonnés, émerveillés et agréablement stupéfaits par cet artiste qui propose des tableaux uniques d’un graphisme, design et d’un esthétique rare rempli de passion et d’émotion qu’elle imagine, crée, réalise et pratique son art.

Et vous qu’en avez-vous pensé ?

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Expo art moderne : Zao Wou-ki « L’espace est silence »

Pour ce premier article consacré à la rubrique « Exposition », nous voulons rendre hommage au célèbre artiste chinois Zao Wou-Ki qui expose ses œuvres dans l’un des musées les plus idylliques de la capitale française, le musée d’art Moderne à Paris.

Rendez-vous unique à ne pas rater ?1F61C897-9249-43EC-A477-2C9D42042778

Le musée expose pour la 1ère fois la plus grande partie de ses œuvres de très grands formats avec à peu près 40 œuvres que l’artiste a réalisé entre le milieu des années 1950 et 2006.

Ce grand format, Zao Wou-KI en rêvait, il se sentait bien dans ces dimensions, il disait que c’est dans « ces grandes dimensions, qu’il pouvait vivre, voyager et délaisser le petit format ».
Il considérait la peinture comme un combat, une nécessité de couvrir une toile blanche. Pour lui, on retrouve dans son art une cohérence parfaite avec la poésie, l’écriture (la calligraphie), l’art et la musique.

A cette exposition vous découvrirez l’univers abstrait de l’artiste
qui ne ressemble à aucune autre référence picturale que l’on
pourrait connaître, avec une immense palette de couleurs uniques et
tumultueuses. Vous retrouverez dans son art, sa gestuelle souple,
large et spontanée avec une peinture lumineuse. Passant d’une toile à une autre vous allez être embarqué dans un autre monde, un monde abstrait, fascinant et envoutant, le monde de Zao Wou-ki.

L’artiste chinois peint avec passion et inspiration pour la poésie et la musique et par ses attaches géographiques avec la Chine, son pays de naissance, la France et les Etats-Unis où il a vécu et a trouvé l’apprentissage puis l’inspiration. « On retrouve sur ces œuvres de la calligraphie, de l’écriture chinoise mais aussi des déchaînements de peinture, il écrase parfois les pigments au couteau, laissant sur sa toile des reliefs arides et vivants, comme des chaînes de montagnes… ».

L’exposition Zao Wou-Ki vaut, à elle seule, le déplacement et vous permet de découvrir des œuvres de cet artiste chinois à travers des peintures de grands formats. Toutefois, rien ne vous empêche par la suite de se promener dans les autres salles du musée pour y découvrir de nombreuses collections et artistes contemporains qui y sont exposés.

En une seule phrase : nous avons été étonnés et émerveillés par cet artiste et ces tableaux abstraits uniques qui sont d’un esthétique rare.

Et vous qu’en avez-vous pensé ?

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